Dirk Wieschollek: In deiner Musik werden die Instrumente auf ganz unterschiedliche Weise präpariert. Es finden Objekte als Zusatzinstrumente Verwendung, mit denen die Spieler*innen in der Regel nicht vertraut sind. Zusätzlich gibt es eine elektronische Ebene. Aber der hauptsächliche Fokus deiner Musik scheint mir doch auf einer komplexen Behandlung des konventionellen Instrumentariums zu liegen. Was, glaubst du, ist das Problem von Orchestermusiker*innen mit dieser Art der Klangproduktion? Ist die Unsicherheit nach wie vor groß, in eine Klangproduktion einzusteigen, die die akademische Tonhöhengestaltung verlässt?

Clara Iannotta: Vielleicht nur soviel: Vor allem die Streicher haben oft Angst vor einer Beschädigung ihrer Instrumente. In der Regel spielen Solist*innen und Ensemblemusiker*innen meine Musik jedoch ohne negative Auswirkungen auf ihr Instrumentarium. Ich verstehe es aber durchaus, dass die Musiker*innen sich unsicher fühlen, wenn sie ihre Komfortzone verlassen. Aber darum geht es ja auch in meiner Musik.

Dirk Wieschollek: Welche Rolle spielt die Elektronik in They left us?

Clara Iannotta: Es gibt inzwischen zwei Versionen! Die ursprüngliche Version hatte nur Verstärkung; eine neuere Version, die in Berlin gespielt wird, hat zusätzliche Elektronik. Ihre Rolle besteht hauptsächlich darin, die Hör-Perspektive zu verändern. Elektronik macht das Ganze sehr räumlich. Aber das ist allgemein ihre Aufgabe in meiner Musik: Die Klänge werden quasi dreidimensional. Es ist nie wirklich offensichtlich, was elektronisch und was instrumental ist und woher es genau kommt.

Dirk Wieschollek: Wenn wir einen kurzen Blick auf die Dramaturgie von They left us werfen, fallen im ständig fluktuierenden Klangkontinuum harte schroffe Setzungen auf, Klangexplosionen, die den fließenden Ablauf stark beunruhigen. Auf der anderen Seite gibt es diese auffallend sphärischen Glasharmonikaklänge. Ein starker Kontrast ...

Clara Iannotta: Diese aggressiven Akzente fingen 2018 mit dem Orchesterstück Moult an, glaube ich. Es ist so ein bisschen wie wenn du läufst, und plötzlich schlägt etwas gegen deinen Arm oder dein Knie. Du fühlst diesen abrupten Schmerz, irgendetwas scheint beschädigt oder zerbrochen zu sein. Ja, und dann gibt es diese extrem hohen Klänge. Es ist wie Luft. Wie in einem Hafen, wo die Flaggen im Wind einen ganz bestimmten Klang erzeugen, einen ganz speziellen pfeifenden Klang.

Dirk Wieschollek: Also eine eher transzendente Hörerfahrung?

Clara Iannotta: Wie ein Fenster, das sich zu einem grenzenlosen Raum öffnet – kalt, klar und windig.

Dirk Wieschollek: Eine gute Überleitung zu echo from afar (ii). Der Titel sagt uns, dass wir mit einer unbestimmten Ferne konfrontiert sind.

Clara Iannotta: Das Stück ist Teil einer Serie von fünf Kompositionen, die alle auf verschiedenen Versen desselben Gedichts von Dorothy Molloy beruhen: Neben echo from afar handelt es sich um where the dark earth bends für Orchester (2022), strange bird – no longer navigating by a star für Orchester (2023), vacant lot (strange bird) für großes Ensemble (2023) und The purple fuchsia bled upon the ground (2023/24). Es ist dieses wundervolle Gedicht von ihr, wo es heißt: „My heart left my chest“. Und da, wo das Herz war, ist jetzt ein leerer Raum. Das Einzige, was noch vorhanden ist, sind „Echoes from afar of a strange bird no longer navigating by a star“. Es gibt keine klare Richtung mehr, das Einzige, was man hört, sind Echos aus der Ferne. Ich liebe dieses Gedicht.

Dirk Wieschollek: Das klingt sehr körperlich ...

Clara Iannotta: Musik ist für mich immer eine Art Selbstreflexion. Nachdem ich They left us beendet hatte, wurde bei mir Krebs diagnostiziert. Nach einer Krebserkrankung ist man aber nicht mehr dieselbe Person. Ich wusste nur, dass ich nicht mehr die gleiche Musik schreiben kann wie zuvor. Wie ein Vogel, der keinen Stern mehr hat und nicht mehr weiß, wo er hinfliegen soll. Ein leerer Raum. Aber Raum ist niemals ganz leer. Nehmen wir beispielsweise I Am Sitting in a Room von Alvin Lucier, das ich während meiner Behandlung ganz oft gehört habe. Dort enthüllt der Raum sich selbst durch den Klang. Was man hört, ist die Resonanz des Raumes selbst. Also wollte ich – obwohl ein leerer Raum in mir selbst war und ich mich verloren hatte – keinen leeren Raum stilisieren, sondern den Raum zum Klingen bringen. In diesem Zyklus wandert ein spezifischer Klang durch verschiedene Räume und verliert dabei seine ursprüngliche DNA. Als ich an Krebs erkrankte, zwang mich etwas Äußeres zur Veränderung. Ich suchte also einen Klang und verschiedene Räume, die diesen Klang ändern, und die Reise, die ich mit meinem Körper machen musste, wollte ich auf den Klang übertragen. Dieses Konzept bestimmt den gesamten Zyklus.